SETE SEIBE NA GALERIA PROARTE

 

 

                                  Tela de Kazuo Wakabayashi

 

A Proarte Galeria celebra os 80 anos da criação do Grupo Seibi na exposição “Sete do Seibi”, em São Paulo. A mostra reúne 42 obras de artistas nipo-brasileiros que participaram do coletivo, desde sua fundação, em 1935, ao encerramento das atividades na década de 1970.

Entre os homenageados estão os pioneiros do projeto Tomoo Handa, Yoshya Takaoka, Yuji Tamaki, além de Tikashi Fukushima, Manabu Mabe, Tomie Ohtake e Kazuo Wakabayashi, que aderiram ao grupo no período do pós-Segunda Guerra Mundial.

“O Seibi tinha como objetivo criar um espaço de convivência entre os artistas nipo-brasileiros atuantes, sobretudo em São Paulo, trocar experiências entre eles e estimular a divulgação mútua de seus trabalhos”, afirma o diretor da Proarte, Miguel Felmanas.

Para a produtora da exposição, Ely Sayemi lutaka,  a premiação de Manabu Mabe, em 1959, na V Bienal de São Paulo como Melhor Pintor Nacional, “sinalizou o reconhecimento da importante presença do grupo de pintores nipo-brasileiros no panorama da arte brasileira”.

Segundo o curador da mostra, Enock Sacramento, “os nipônicos e seus descendentes trouxeram para a arte brasileira uma contribuição inestimável: a fusão da cultura japonesa com a brasileira. Nas paletas e telas, os gestos foram guiados por expressões individuais e misturas enriquecedoras. Em algumas produções há o predomínio do substrato do ocidente e, em outras, o do oriente; ora a explosão, ora a contenção; ora a reflexão, ora a ação; e, em alguns casos, o equilíbrio entre os dois polos”.

 

                                          Kazuo Wakabayashi

 

Kazuo Wakabayashi, Sem título, 2005 (técnica mista sobre tela)        

 

Yoshyia Takaoka, Paisagem do Rio de Janeiro, 1942 (óleo sobre tela)

 

                                            Yoshyia Takaoka

 

                                    Tomoo Honda

 

                                     Manabu Mabe

 

                                 Manabu Mabe

 

                                    Tikashi Fukushima                                          

 

                                           Yuji Tamaki

 

                                     Tomie Otahke

 

Exposição “Sete do Seibi”
Visitação: de 18 de novembro a 3 de dezembro de 2015
Horário: de segunda a sexta-feira, das 10h às 20h. Sábado, das 10h às 16h.  
Local: Proarte Galeria
Endereço: Al. Gabriel Monteiro da Silva, 1644, Jardim Paulistano, São Paulo - SP
Entrada gratuita
Mais informações: (11) 3085-7488 ou contato@proartegaleria.com.br
Estacionamento no local
www.proartegaleria.com.br

EXPOSIÇÃO: FRIDA KAHLO _ CONEXÕES ENTRE MULHERES SURREALISTAS NO MÉXICO

 

Com a inauguração, em 27 de setembro, da exposição “Frida Kahlo - Conexões entre Mulheres Surrealistas no México”, no Instituto Tomie Ohtake, de São Paulo, o público poderá não só contemplar o universo da pintora mexicana Frida Kahlo (1907 - 1954), como também, apreciar aspectos da vida e produção de outras 15 importantes artistas, entre elas  Maria Izquierdo, Remedios Varo e  Lenora Carrington.

 

 

Frida deixou um grande legado para o mundo com suas pinturas. Símbolo da força e independência do universo feminino, a artista Mexicana estava muito à frente de seu tempo e, apesar de todos os percalços (como muitos problemas de saúde e um casamento conturbado), continuou a apresentar-se sempre animada e cheia de vida.

 

 

Os sete autorretratos da mexicana revelam o máximo de seu universo simbólico. Em um deles, de 1943, a pintora retrata-se rodeada de pequenos macacos - e, como diz a curadora Teresa Arcq, “os chimpanzés sempre representaram o erotismo na obra da artista”.

 

 

Frid aceitou aspectos de seu corpo que fugiam muito aos padrões da época — especialmente a sobrancelha unida e o buço. 

 

 

Frida também teve grande influência para a moda,  impondo seu próprio estilo. Adotou as longas saias, no estilo tehuana, da região de Oaxaca, no Sul do México, sempre muito rodadas e coloridas. Se por um lado, elas camuflavam seus problemas físicos (esconder que tinha uma perna mais curta que a outra, sequela da poliomielite que teve na infância),  por outro lado, eram a forma encontrada por Frida para manter o bom humor e para continuar se sentindo feminina. As saias eram combinadas com corseletes e até com coletes de gesso, que precisava usar por causa dos problemas na coluna, resultantes de um acidente de bonde aos 18 anos. Os bordados coloridos, as flores delicadas, as rendas e as tranças, que lhe conferiam um visual alegre, foram sendo cada vez mais incorporados à medida que seus problemas de saúde se agravavam e sua dor aumentava. Essa marca pessoal acha-se também refletida em sua pintura, que segue o mesmo padrão de cores primárias.

As doenças e os acidentes deixaram-lhe sequelas que a obrigavam a usar coletes ortopédicos, que aparecem em vários quadros, como “A Coluna Partida”, de 1944.

 

A COLUNA PARTIDA

Diferentemente de muitos artistas de renome, que desde pequenos mostram uma aptidão para a pintura, Frida não começou a pintar cedo. Foi num período de convalescência  que, usando um cavalete adaptado à cama e a caixa de tintas de seu pai, Guillermo, Frida começou a pintar Não foi apenas com a pintura que o pai influenciou seu trabalho.  Guillermo era fotógrafo profissional e tinha o curioso hábito de se fotografar, algo que a filha levou mais tarde para seus quadros. Ao longo de sua carreira, Frida pintou diversos autorretratos, sempre colocando na tela seus problemas, seu cotidiano, seus temores e seus amores.

 

 

Frida estava sempre envolvida em política — ela era ligada ao Partido Comunista Mexicano, onde inclusive conheceu o muralista Diego Rivera, de 43 anos, com quem se casou por duas vezes. A primeira vez, em 1929 aos 22 anos. Os dois viveram um relacionamento tempestuoso e cheio de reviravoltas – mas Frida era perdidamente apaixonada pelo marido.  Resolve se separar, contudo, ao descobrir que ele mantinha um relacionamento com sua irmã mais nova, Cristina. Isso não impediu, porém, que eles se casassem novamente, seguindo o mesmo padrão de relacionamento turbulento.

Diego Rivera também influenciou o estilo de Frida, que passou a adotar cores básicas em grandes extensões, num estilo naïve.

 

 

 

 

 

Em 1950, Frida amputou uma perna e, em seguida, entrou em depressão. Nessa época, pintou suas últimas obras, como Natureza Morta (Viva a Vida) e  morreu no dia 13 de julho de 1954.

O projeto da exposição “Frida Kahlo - Conexões entre Mulheres Surrealistas no México” é muito complexo. Até o momento, estão confirmadas 19 pinturas e 13 obras sobre papel de Frida Kahlo para a mostra. Orçada em R$ 9,5 milhões, a exposição traz uma centena de obras de trabalhos emprestados de 48 coleções privadas e particulares. Apresenta também a oportunidade de o Brasil receber trabalhos de surrealistas reconhecidas, mas ainda não muito populares.

"O diálogo das artistas é temático", explica Teresa sobre o conceito da mostra. “A prática da autorrepresentação feminina entre as 16 surrealistas apresenta-se como uma questão importante, e, na sequência das obras, será possível comparar quão distinto pode ser o olhar de cada uma para si”.

 

 

Leonora Carrington

 

Maria Izquierdo

 

Remedios Varo

“Deve-se também ressaltar o tema do exílio como um dos pilares da mostra. Muitas das participantes de “Frida Kahlo - Conexões entre Mulheres Surrealistas no México” escolheram, afinal, viver no país latino-americano que, depois da Revolução Mexicana, em 1910, tornou-se um território de efervescência política e cultural”.

 

Instituto Tomie Ohtake
http://www.institutotomieohtake.org.br

De 27 de setembro a 10 de janeiro de 2016

De terça a domingo, das 11h às 20h
Entrada R$ 10 (grátis às terças-feiras)
Rua dos Coropés, 88
Pinheiros – Oeste São Paulo
(11) 2245-1900
Estação Faria Lima Via Quatro

CASSIO LOREDANO em RIO, PAPEL E LÁPIS

 

 

O cartunista Cássio Loredano lança livro e também abre exposição com suas paisagens favoritas

 

O livro Rio, papel e lápis, que o Instituto Moreira Salles (IMS) lançou dia 8 de agosto, reúne 62 retratos do Rio de Janeiro feitos por Loredano.  O cartunista traçou um roteiro que começa na Capela de Nossa Senhora da Cabeça, nos arredores do Jardim Botânico, passa pelo centro histórico da cidade e termina na Ponte dos Jesuítas, na Zona Oeste.

Cássio Loredano é um andarilho, que se desloca pelo Rio de Janeiro , ou recorre ao transporte público. Das janelas do ônibus, ele admira a Cidade Maravilhosa. “Eu gosto do barroco colonial que o mestre de obra português nos deixou”. Às vezes, pega metrô – mas se ressente por não poder apreciar a paisagem. “Bom mesmo é o “expresso canelinha”, brinca o caricaturista, que anda longas distâncias com frequência: os 7 quilômetros de Laranjeiras, onde mora, ao centro do Rio, por exemplo, ele faz em cerca de meia hora. “Mas não sou flâneur, que é o cara que vai seguindo a folha de papel que o vento empurra. Ando rápido. Gosto de andar pelas calçadas para ver as moças e as fachadas.”

Suas andanças resultaram no livro Rio, Papel e Lápis, e na exposição homônima que o Instituto Moreira Salles (IMS) abriu neste sábado, 8, em seu centro cultural na Gávea. O instituto encomendou-lhe as ilustrações, tendo como mote os 450 anos do Rio. Pediu 50, recebeu 61. É que Loredano é um apaixonado pela sua cidade: “Morei muitos anos em São Paulo, mas quando estava andando na rua, na Europa, era pela Avenida Mem de Sá (na Lapa) que eu andava”. Seus desenhos são um convite ao passeio: “Meu livro apresenta vários lugares que estão escondidos, mas que merecem ser visitados”. 

 

           2 | O ALTAR _ A Avenida Presidente Vargas e a Igreja de Nossa Senhora da Candelária. Ponto lembrado pela violência e pelos casamentos (Foto: Cássio Loredano )

 

           3 | SOLIDÃO _ A Chaminé do Catumbi e o Morro da Coroa. Não sobrou quase nada do bairro antigo, que abrigava uma refinaria de açúcar (Foto: Cássio Loredano )

 

             4 | IMPÉRIO _  A imponência do Castelinho de Santa Teresa. Ele foi construído no século XIX por um comendador português (Foto: Cássio Loredano )

 

              5 | PASSEIO _ A Avenida Passos, entre as ruas Buenos Aires e Luís de Camões. Uma homenagem ao prefeito Pereira Passos, que redesenhou as ruas do Rio (Foto: Cássio Loredano )

 

 

PRAÇA  XV e ARCO do TELES

Loredano escolheu não praias e montanhas que fizeram a fama da cidade, tampouco o Pão de Açúcar ou o Cristo Redentor. Usou grafite, nanquim, esferográfica e aquarela para dar forma a igrejas, prédios públicos, monumentos, pontos comerciais e sedes de times de futebol. É o Rio edificado que capta o olhar desse carioca, que já morou na Alemanha, França, Itália e Espanha.

“O carioca passa pelos Arcos da Lapa como se fosse a coisa mais natural do mundo um aqueduto romano no meio da cidade”.

 

ARCOS da LAPA e o CONVENTO de SANTA TERESA

 

“Não fico olhando para o Pão de Açúcar, e sim para o Real Gabinete Português de Leitura. “À praia eu não vou, nem sei nadar. Fico no quiosque bebendo cerveja. Como diz o (cartunista) Jaguar, intelectual não vai à praia, intelectual bebe. Quando brincam que eu sou moreno porque frequento praia, respondo que pego sol andando na rua.”

Ele teve um ano para realizar o trabalho: os desenhos e os pequenos textos que os acompanham no livro. A perspectiva é a de quem vê as paisagens da calçada. Em nenhuma das imagens aparece a figura humana. “Não tem gente para que não se desvie o olhar do que é essencial aqui, que são as fachadas: veja a Biblioteca Nacional, como é linda.” Não reproduziu fielmente o que viu, mas o que lhe interessava sublinhar. O Teatro Municipal aparece sem vizinhos, tendo apenas à sua direita o prédio onde ficava o bloco carnavalesco Cordão da Bola Preta. “Lembro de ir ao teatro e, no intervalo, escutar a gafieira que vinha de lá”, diverte-se. Na Rua Primeiro de Março reproduz apenas os adornos da fachada da Igreja da Ordem Terceira do Carmo; a igreja ao lado, que considera feia, ficou só no contorno.

 Sua admiração pela cidade do Rio de Janeiro fica clara nos desenhos sobre o centro, que foi a primeira região urbanizada da cidade, no século 16, e concentra também arranha-céus. A Igreja de Santa Luzia, do século 18, convive com o Palácio Capanema, símbolo do modernismo dos anos 1940, e edifícios mais recentes; a centenária Igreja do Carmo da Lapa também é vizinha de prédios altos; o Real Gabinete, construído em 1887, tem à frente a escultura do artista Franz Weissmann Retângulo Vazado. “Escolhi olhar para onde ninguém olha, porque quem está de carro tem que tomar cuidado para não bater no carro da frente”, Loredano sintetiza.

Rio, papel e lápis
Desenhos de Cássio Loredano
Curadoria: Julia Kovensky e Paulo Roberto Pires
Visitação: até janeiro de 2016
De terça a domingo, das 11h às 20h.

Local: Instituto Moreira Salles - Rio de Janeiro
Rua Marquês de São Vicente, 476
Gávea – Rio de Janeiro - RJ
Telefone: 21 3284 7400

IL CRISTO VELATO MUSEU DE ARTE SACRA SP

 

A SURPREENDENTE ESCULTURA DE GIUSEPPE  SANMARTINO

 

 

A escultura, feita em 1753 pelo artista napolitano Giuseppe Sanmartino, representa o Cristo morto, deitado sobre um colchão rudimentar, apoiado por duas almofadas e coberto por uma finíssima mortalha, descuidadamente jogada sobre o corpo, envolvendo os membros delicados, e disposta rente ao corpo.   No seu Cristo, a pele do cadáver confunde-se e desfaz-se no sudário e é difícil acreditar ser um trabalho feito em um único bloco de mármore.

IL CRISTO VELATO é considerada  uma das maiores obras-primas da escultura de todos os tempos e não pode sair da Capela Sansevero de Nápoles. Graças à moderna tecnologia e à concessão da autorização dada pelo Museo Capella Sansevero, o diretor do Museu de Arte Sacra de São Paulo e a curadora Maria Inês Lopes Coutinho conseguiram uma projeção volumétrica da escultura igual à original , podendo proporcionar aos seus visitantes a possibilidade de admirar esta obra maravilhosa.

 

 

 

 

A escolha de mármore claro acentua a sensação da palidez específica da morte.

Notam-se nesta obra influências do barroco e também uma inspiração do neoclassicismo, que já despontava no momento,   característica que fez com que esta escultura e outras de mesma inspiração fossem depreciadas pela crítica dos analistas românticos posteriores.

Giuseppe Sanmartino (Nápoles, 1720 – Nápoles, 1793), escultor italiano, teve uma longa e fecunda carreira. Algumas de suas criações estão expostas no Museu de San Martino em Nápoles. Ele é considerado uma das maiores personalidades artísticas dos Setecentos italiano pela escultura Cristo Velado, produzida para a capela  Santa Maria della Pietà, mais conhecida como Cappella Sansevero ou Pietatella, situada em Sangro di Sansevero em Nápoles.

 

Exposição "il Cristo Velato"
Curadoria: Maria Inês Lopes Coutinho
Período: 04 de junho a 02 de agosto de 2015
Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo
Endereço: Avenida Tiradentes, 676 – Luz, São Paulo
Tel.: (11) 3326.3336 – agendamento de visitas monitoradas
Horário: quarta a sexta-feira das 9h às 17h; sábado e domingo das 10h às 18h
Ingresso: R$ 6,00 (estudantes pagam meia entrada); Grátis aos sábados.
Isentos: idosos acima de 60 anos, crianças até 7 anos, professores da rede pública (com identificação) e até 4 acompanhantes

EXPOSIÇÃO DE JUDITH LAUAND: OS ANOS 50 E A CONSTRUÇÃO DA GEOMETRIA

 

 

De 15 de maio até 25 de julho, o Museus Belas Artes de São Paulo (MUBA) e o Instituto de ArteContemporânea (IAC) recebem a exposição Judith Lauand: Os Anos 50 e a Construção da Geometria. A mostra traz cerca de 100 obras produzidas entre os anos 1950 e 1959, período importantíssimo para a construção da carreira da artista.

Judith Lauand (Pontal SP 1922) formou-se em artes plásticas na Escola de Belas Artes de Araraquara, quando iniciou sua carreira artística. Ela foi a única mulher a participar do Grupo Ruptura, responsável por introduzir o concretismo no Brasil, e, por isso, recebeu o epíteto “dama do concretismo”. 

A mostra , com curadoria de Celso Fioravante, apresenta obras de 22 coleções particulares e institucionais de São Paulo e do Rio de Janeiro. São pinturas, desenhos, guaches, tapeçarias, xilogravuras, matrizes de xilogravuras e estudos em papéis diversos, além de fotografias, cadernos de anotações, catálogos e documentação variada.

 

 

 

 

 

Aos 85 anos, a artista faz um panorama de sua trajetória.  Na década de 1940 começou a se dedicar à pintura. Um caminho natural, segundo ela, esse de pintar. No começo, "no estilo da escola expressionista", fazia naturezas-mortas e figuras. Mas, acidentalmente, um dia ficou surpresa quando viu que uma de suas naturezas-mortas tinha se transformado numa pintura abstrata feita de cubos e um círculo, no lugar do que seria um prato...   A fase concretista de Judith Lauand é o ponto alto de sua  carreira, feita de diversas fases de experimentações de que ela tanto se orgulha: "Gosto de todas, com suas qualidades e percalços", diz a artista .

 

 

 

 

 

Aos 85 anos, Judith lê diariamente pela manhã, "80 páginas por semana", e pinta quase que todos os dias,  no período da tarde e sempre no campo da abstração. "Achava a abstração muito mais interessante, uma pesquisa que não tinha fim, muito mais diversificada", diz Judith Lauand, fazendo uma rápida recapitulação de seus mais de 60 anos de carreira no campo da pintura.

Nesta exposição há um a passagem completa pelos caminhos de Judith: a figuração, a abstração informal, a abstração geométrica, a fase pop da década de 1960, as obras em que colocava objetos na tela (como pregos e tachinhas), as telas em que pintava palavras, os quadros com as variações do mesmo tema."Ela não é uma concretista ortodoxa, tem uma trajetória muito mais rica”,  afirma o curador. As telas mais valiosas são as da década de 1950, do período concretista e Judith  declara: "De 1954 a 1962, fui rigidamente concreta, me tornei mais geométrica".

A artista pensa de forma quase matemática sobre suas composições, sem detrimento do caráter sensível: "Cada forma tem e pede sua cor. Gosto das cores que ficam no mesmo plano, que combinem, mas meu quadro não tem nada de perspectiva."

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Exposição “Judith Lauand: Os Anos 50 e a Construção da Geometria”

15 de maio a 25 de julho de 2015

Museu Belas Artes de São Paulo (MUBA)

Rua Dr. Álvaro Alvim, 76 - Vila Mariana

De segunda a sexta, das 10h às 20h; sábado, das 10h às 16h

Instituto de Arte Contemporânea (IAC)

Rua Dr. Álvaro Alvim, 90 - Vila Mariana

De segunda a sexta, das 10h às 18h; sábado, das 10h às 16h

Evento gratuito e aberto ao público

EXPOSIÇÃO DE HOKUSAI NO GRAND PALAIS

 

 

 

A exposição de 400 obras de Katsushika Hokusai (1760-1849), no Grand Palais de Paris, tem atraído enorme número de visitantes, que podem apreciar, não só as obras famosas e muito conhecidas, como A Grande Onda de Kanagawa e as Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji, como todo o conjunto de seu trabalho inconfundível pelos temas, pela complexidade técnica, de uma beleza simples, ressaltada pela força das cores, de um vermelho profundo ao azul marinho.

 

 

 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nascido em Edo, atual Tóquio, Hokusai, foi um desenhista, pintor e artista popular. Filho de pais desconhecidos, depois adotado aos quatro anos de idade, evoluiu como artesão desenhista, mas sem que seu valor artístico fosse reconhecido na época.

A partir de 1794, após adotar o nome de Sori, a obra de Hokusai ganhou em complexidade e em riqueza. Seu destaque cresceu entre 1805 e 1810,  pelo talento expresso no traço firme, mas delicado, e pela técnica precisa no manuseio do nanquim, pela arte refinada sobre temas ordinários, como a vida cotidiana, a mulher e as tradições do Japão, não raro com humor.

 Uma de suas obras mais impressionantes, os Hokusai manga, compõe-se de  15 livros, num conjunto de três mil e novecentos desenhos, que são em si uma antologia de sua produção artística no período iniciado em 1814.

Seu talento e sua capacidade de se reciclar como artista e explorar novas fronteiras técnicas ainda o levariam a produzir a sequência mais célebre de seu trabalho, quando desenvolveu suas Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji.

Hokusai, com Hiroshige e Utamaro são responsáveis pela grande influência da arte japonesa sobre os artistas europeus do século XIX, principalmente Van Gogh, Gauguin, Monet, Degas, Renoir, na pintura, bem como Rodin e ainda Victor Hugo, Proust, Zola e muitos outros.

De 01 outubro de 2014 a 18 de janeiro de 2015 no Grand Palais, Galeries Nationales, Paris.