ENTRE FLORES E ENTRELINHAS

 

A Galeria Vilanova recebe a primavera com a exposição “Entre Flores e Entrelinhas”. Com curadoria de Bianca Bockel, os artistas, Virgílio Neves e Vitor Azambuja, foram convidados para produzir trabalhos inéditos que não apenas dialogam entre si, mas também chamam a atenção do público para um olhar diferenciado sobre um tema comum.

Vitor Azambuja apresenta cinco telas com um tema recorrente em sua produção: a exuberância das rosas, em tons de cores inusitados e surpreendentes. Apesar de  inspirado na natureza, o artista  não pinta pela observação, e sim, pela imaginação – a harmonia na combinação de suas cores não é fruto da reprodução, é antes o resultado de um ato criativo autônomo. Pianista, formado pelo Conservatório Brasileiro de Música, “para ele as flores, principalmente, o levam indubitavelmente aos sons que delas exalam”, diz Geraldo Edson de Andrade, membro da Associação Brasileira de Críticos de Arte.

 

 

Vitor Azambuja

Vitor Azambuja

Vitor Azambuja

O trabalho de Virgílio Neves (duas telas e quatro desenhos) surpreende pelo uso de um material inusitado: o própolis (substância resinosa usada pelas abelhas para untar a parte interna das colmeias). Com cortes e ângulos aleatórios, o artista usou a substância para imprimir odor e textura a sua obra. “O aroma do própolis trazia sensações positivas que me devolviam à infância. E o poder de fixação desta substância e do seu aroma sobre o papel também estavam intimamente ligados ao poder de fixação desta memória em minha mente”, explica.

 

Virgílio Neves

Virgílio Neves

Virgílio Neves

Virgílio Neves

 Entre Flores e Entrelinhas propicia ao público uma nova visão sobre um tema corriqueiro, com pinturas e desenhos que não apenas se complementam, mas também estreitam o diálogo com o espectador. Nas palavras de Bianca Boeckel: “As obras dos dois artistas cantam e dançam diante dos nossos olhos”.

A exposição fica aberta ao público a partir de 23 de setembro, dia em que a Primavera começa oficialmente no Hemisfério Sul.

Período: 23 de setembro a 3 de novembro de 2014

Local: Galeria Vila Nova – http://www.galeriavilanova.com.br

Rua Domingos Leme, 73 – Vila Nova Conceição – São Paulo, SP

Tel.: (11) 2691-1190

Horário: Terça-feira a sábado, das 12 às 18h

Mostra Retrospectiva de Orlando Mattos

 

 

 

Mais de 20 anos após a morte do ilustrador e cartunista Orlando Mattos (1917-1992), suas obras têm exposição individual em São Paulo. A retrospectiva foi organizada pelo único filho de Mattos, Luiz Carlos, em parceria com a Abach (Academia Brasileira de Arte, Cultura e História). Esta exposição reúne 40 telas do artista, entre obras pertencentes aos acervos da Pinacoteca de São Bernardo do Campo, da família do artista e outras cedidas por colecionadores.

Pintor, ilustrador e cartunista Orlando Mattos deixou importante marca nas artes visuais do Brasil. Nascido em Castro, no Paraná, em 1917, viveu grande parte da vida no Rio de Janeiro e em São Paulo. Desenvolveu longa carreira como desenhista na imprensa carioca e paulista e suas charges políticas, com traço estilístico de muita personalidade, serviram de referência para artistas da geração seguinte como Ziraldo.

“Ele (Orlando Mattos) fez duas revoluções: uma com o fuzil e outra com o bico de pena", diz Luiz Carlos Mattos, filho do artista plástico.

Aos 15 anos, Orlando Mattos adulterou seu documento para se alistar no Exército e ser combatente na Revolução de 1932. Alguns anos depois, passou a usar o desenho como forma de expressão. Aos 18, já colaborava para diversas publicações, tendo atuado em grandes jornais e revistas, desenvolvendo boa capacidade crítica. Aposentou-se em 1970, na Folha de S.Paulo. Teve passagens também por editoras e pela publicidade.

Nas artes plásticas, Mattos apresentou um traço original e criatividade surpreendente. Seus temas principais são a religiosidade, o trabalho e a sensualidade feminina.

" Seu trabalho é maduro, evoluído, criativo, expressivo", afirma a  educadora Luciana Gradilone Paternostro, responsável pelo Portal Cidades Paulistas.

O artista participou de exposições coletivas em várias cidades do Estado e teve sala especial em salões de arte da região. Também expôs no exterior, em países como Canadá (1971) e Japão (1980). Sua última mostra foi em 2007, uma retrospectiva realizada no Centro Cultural Diadema.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

EXPOSIÇÃO DE VIK MUNIZ EM PORTO ALEGRE: “O TAMANHO DO MUNDO”

 

O artista plástico Vik Muniz expõe em Porto Alegre pela primeira vez. "O Tamanho do Mundo" fica em cartaz no Santander Cultural até o dia 10 de agosto e traz a nova série “Postcards from Nowhere”, de 2013,  “Sandcastles” e “Colonies”. A mostra reúne 70 obras em diversos formatos, mídias e épocas.

O paulista, radicado em Nova Iorque, é conhecido, principalmente, pelos materiais usados para fazer arte: geleias, terra, pregos entre diversos outros objetos diferentes.

 

Obra WWW

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Castelos de Areia: desenho feito microscopicamente dentro de um grão de areia | Foto: Ramiro Furquim/Sul21

 

 

 

“Quando eu vejo um museu cheio de gente, e não só de gente que entende de arte, mas gente de tudo quanto é tipo, isso me deixa super feliz”, salientou Vik | Foto: Ramiro Furquim/Sul21

 

 

A obra de Muniz foi acompanhada durante dois anos no documentário "Lixo Extraordinário", indicado ao Oscar em 2011. Ao longo de 25 anos, ele se consolidou como um dos expoentes da arte contemporânea internacional, realizando exposições em museus ao redor do mundo, incluindo as bienais de São Paulo, Whitney, Moscou e Veneza.

Vik Muniz, O Tamanho do Mundo
Curadoria Ligia Canongia
Santander Cultural Porto Alegre (Rua Sete de Setembro, 1028 - Centro Histórico)
De 21 de maio até 10 de agosto de 2014 - Entrada franca
Horários de funcionamento: terça a sábado, das 10h às 19h/ Domingo e feriados, das 13h às 19h.

DEUSES E MADONAS A ARTE DO SAGRADO

 

Concebida pelo curador Teixeira Coelho, a partir de 40 obras-primas do acervo do museu, a maioria do século XIV ao XIX, esta mostra apresenta dois sistemas de valores distintos, com quadros que exibem alternadamente figuras do cristianismo e imagens dos deuses da mitologia grega, expressos nos pincéis de grandes mestres da arte ocidental.   Durante muito tempo o sagrado foi um tema privilegiado da arte e era o sagrado que interessava, não a arte que o exprimia. Hoje, no museu, com obras do século XIV ao XXI, a situação se inverte e o assunto central é a arte e seus códigos de representação da realidade e do imaginário.

Uma obra-prima de um mestre do Renascimento e uma instalação do artista brasileiro contemporâneo Eder Santos são os destaques de Deuses e Madonas – A Arte do Sagrado, que traz ainda El Greco (Anunciação, de 1600);  Delacroix (As quatro estações, c.1856);  Botticelli (Virgem com o Menino e São João Batista Criança, c.1490); Tintoretto (Ecce Homo ou Pilatos Apresenta Cristo à Multidão, c.1546); Rafael (A Ressurreição de Cristo, 1499-1502), entre outras.

 São Jerônimo Penitente no Deserto, que o jovem Andrea Mantegna concluiu em 1451 e foi uma das principais obras na retrospectiva  realizada em 2008 em Paris, no Louvre, está de volta ao MASP depois de restaurada pela equipe do museu francês.

 

 

Em diversos quadros que retratam a figura de Maria, o vermelho é colocado para representar a parte carnal, humana, terrena do ser. E o azul, em contraposição, representa o contato com o divino, o etéreo, a alma, como explicam as anotações dispostas ao lados de obras como "Virgem com o Menino e São João Batista Criança" (1490/1500) Botticelli.

 

 

Dividos pelos períodos em que foram feitos, os quadros apresentam uma surpreendente variedade na representação das  personalidades divinas. Pode-se ver a rigidez e a falta de fidelidade com o real nos quadros do séc. XIII, suas Marias possuem faces frias e indiferentes, os anjos e os meninos Jesus parecem crianças sem vida. Fica claro a que a intenção dos artistas medievais era passar uma ideia e não imitar a realidade.

 

 

Seguindo o acervo, nas obras da Renascença, encontra-se a perspectiva, a luz e a simetria infalível. Nesta sessão aparecem as imagens da mitologia grega. Passagens como o banho de Diana e o julgamento de Páris são magistralmente elaboradas por artistas como Rafael de Sanzio e Botticelli. Aqui as figuras bíblicas ganham expressões faciais, linhas curvas pelo corpo e um cenário amplo ao fundo. As cores ganham mais importância e vemos uma grande variedade nas interpretações de cada artista do que foram os eventos descritos no livro sagrado do cristianismo.

 

 

Entre estas partes da exposição, estão dispostas algumas esculturas gregas: a representação da deusa da higiene, de uma bacante  e da deusa Diana,  dormindo.

 

 

Vemos, em seguida as obras do período barroco: o jogo de luz e sombra, as faces com emoções nítidas e tecidos e joias representados de modo impressionante.
Por fim, dispostos numa única parede, estão As Quatros Estações, de Eugène Delacroix, quatro quadros enormes, que descrevem cenas clássicas do mítico grego. Nestes painéis, aparecem os primeiros indícios das características do movimento impressionista: as figuras ganham menos detalhes, e as pinceladas são mais visíveis, imagens distantes ou pouco importantes se tornam distorcidas, volta a intenção de se passar uma ideia, uma mensagem com a tela, não o compromisso da representação da realidade.

 

 

 

 

 

Entre as pinturas enaltecendo temas pagãos, destaca-se a obra de Nicolas Poussin, “Himeneu Travestido Assistindo uma Dança em Honra a Príapo”. Segundo os Antigos, Himineu vestiu-se de mulher para espionar sua noiva que participava das festividades ao Deus Príapo.

 

 

EXPOSIÇÃO DO ACERVO MASP
DEUSES E MADONAS - A ARTE DO SAGRADO

Período:
Desde 15 de outubro de 2010. Sem previsão de encerramento, Acervo MASP

Horário: terça a domingo, das 11h às 18h; quintas, das 11h às 20h.

Local: MASP (Museu de Arte de São Paulo) - 2º andar
Endereço: Av. Paulista, 1.578 - Cerqueira César
Telefone: (11) 3251-5644

MARCELO GRASSMANN/ ESTAÇÃO PINACOTECA

 

A exposição, com curadoria de Carlos Martins, apresenta uma seleção de 85 gravuras de Marcelo Grassmann (1925-2013) das 387 obras do artista que o governo do Estado de São Paulo adquiriu, em 1969, para o museu, seguindo a orientação do próprio artista.

Famoso principalmente por suas gravuras, Marcelo Grassmann encontrou também nos desenhos uma forma de mostrar seu grande talento.
Em suas gravuras e desenhos, soldados, a Morte, cavaleiros e donzelas são figuras freqüentes, com roupagens próximas às dos cavaleiros medievais. Seus trabalhos possuem um caráter imaginativo e inventivo, uma aparente viagem ao inconsciente, com elementos fantásticos, figuras líricas e criaturas metade homem, metade animal. A introspecção expressionista do início vai, aos poucos, ganhando o aspecto "romântico" na obra de Grassmann, que tem como uma das questões recorrentes a do "ideal do herói".

Algumas das gravuras selecionadas:

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Título: Mulher e peixe
Técnica: nanquim sobre papel
Data: 1963

 

 

Cavalo

Técnica: Nanquim aguada sobre papel
Data: 2001
Medida: 45 x 50cm

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Local: Pinacoteca do Estado

Praça da Luz, 2 – Bom Retiro – São Paulo/SP

Quando: até 25 de maio

Funcionamento: de terça a domingo e feriados, das 10h às 18h; às quintas, até as 22h

Contato: 11 3324-1000 – http://www.pinacoteca.org.br/

Preços: R$6,00; grátis aos sábados e às quintas, a partir das 17h .